Un jour mon « Maître » me confia un grand secret qu’il détenait de son étude auprès d’Edouard Mac Avoy.

Sujet passionnant s’il en faut : comment disposons nous les éléments de la composition en peinture ?

Devons-nous composer de façon asymétrique et y faire attention lors de la création du tableau ?  Est ce qu’il existe une manière particulière de commencer un tableau en traçant un schéma de composition préalable ?

J’obtins une réponse que je ne pu comprendre. Il s’agissait de composer en utilisant une lettre. Une lettre de l’alphabet. On obtiens ainsi une composition en L ou en C par exemple. Pourquoi pas ? me dis-je. Mais ça ne faisait pas de sens. Pourquoi une lettre de l’alphabet ?

Je restais ainsi avec ce mystère pendant quelques années. Puis, un jour, je demandais à Augusto Pavanel s’il existait une manière particulière de composer, utilisant certaines règles de géométrie et un tracé particulier. Sa réponse fut surprenante. Il me dit ne pas s’en occuper, « tu le sens, tu n’as pas besoin de calculs, c’est en toi ». En d’autres termes il me disait que l’esthétique d’une composition picturale fait partie de l’artiste qui sommeillait en moi.

Ce qui me décida à faire de plus amples recherches sur le sujet. Ainsi je découvrit bien plus tard, que la composition selon les lettres de l’alphabet est quelque chose de connu et existe bel et bien. Mais pas selon les lettres de l’alphabet occidental. Non, notre alphabet n’est pas assez proche de la vérité si j’ose dire. C’est de l’alphabet hébreux dont il s’agissait!

En effet, celui-ci est proportionné selon les diverses proportions du nombre d’Or ou phi. Ainsi en utilisant l’aleph ou le beth ou une autre lettre, on est quasiment sûr de créer une esthétique de composition.

On peut consulter à ce sujet le livre de Frank Lalou, par exemple, LES 22 CLÉS DE L’ALPHABET HÉBRAÏQUE chez Desclée de Brouwer, par exemple, dont voici une illustration de la lettre Daleth (d) et la lettre Guimel (g)

Daleth et Guimel

On conviendra de l’esthétique indiscutable de ce glyphe.

Vous pouvez aussi chercher les termes « nombre d’or », « phi », « 1,618″ sur internet et découvrir le rôle énorme de cette proportion dans la nature et les arts. Un autre ouvrage intéressant que je vous recommande est le livre de Charles Bouleau, « Charpentes : La géométrie secrète des peintres ».

Je considère ces choses comme des outils de création. On peut s’en servir dans l’élaboration de nos compositions mais ne pas en faire une fin en soi.

Et comme le disait si bien Augusto Pavanel : la composition ? c’est en vous!

On pourrait continuer ainsi à citer des maîtres est arriver à la même conclusion : le métier, la connaissance, les techniques sont des éléments clés.

Dans le domaine de l’art, nous avons deux mondes qui se rencontrent : le monde de l’esprit et le monde matériel. Le premier n’est fait que de création instantanée, on tend la main et une fleur apparaît, on pense une forme et elle est là. Le deuxième est constitué de force et d’efforts. La gravitation fait couler la peinture, des réactions chimiques empêchent les couleurs de sécher ou altèrent les couleurs, un courant d’air fait tomber la toile…

Ainsi, on s’aperçoit qu’il existe des façons de s’y prendre et c’est ce qu’on appelle des techniques.

Il a été dit qu’elles brimaient la création ? La seule chose qui peut brimer la création c’est de vouloir en faire une fin en soi. La Sainte pureté de l’aquarelle, les grands secrets des techniques flamandes, prosternez-vous on va vous révéler les grands mystères. À ce moment-là les impulsions créatrices sont submergées par l’importance des techniques. Ce mécanisme est reconnaissable entre tous. Dès que l’on présente les techniques comme quelque chose de dur, d’ardu, d’impossible à conquérir, de mystérieux on peut être à peu près sûr qu’on en a fait une religion. Fuyons mes frères !
Fuyons oui, mais trouvons les bonnes techniques et travaillons-les sans contrainte et de manière … créative!

C’est l’histoire d’un peintre qui expose… un beau tableau!

écrit par Alain Chouraki et interprété par Marie-Cécile Dussert et Patrick Fouque, mis en scène par Marlyne Saffar,

ce théâtre d’intervention peut se jouer dans n’importe quelle exposition de peinture.

L’idée qui a donné naissance à cette pièce est de combiner diverse formes d’art afin de donner un plus à une exposition de peintures et la rendre ainsi plus vivante.

Gérard Saffar nous a charmé par ses interludes au piano.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Il y a quelque temps un ancien élève m’a contacté pour me signaler une vidéo qu’il avait faite.

Il s’agit de l’exposition de fin d’année des élèves de mon cours à Eaubonne en 2002. On avait exposé au Moulin de Sannois, dans le 95 en région parisienne.

En le regardant, avec le recul et le temps qui a passé, j’ai été surpris moi-même de la qualité d’ensemble des œuvres exposées.

Je ne veux pas me lancer de fleurs mais j’ai trouvé ce petit film intéressant et j’ai pensé que ça pouvait en intéresser d’autres.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Alors que vaut une œuvre d’art ? 1000 euros ? 250 ? Plusieurs millions ?

Qu’est-ce qui en fait un objet de valeur ? La couche de peinture dont elle est recouverte ? La dextérité ou habileté de son auteur ? Sa rareté ? Est-ce bien un objet au sens courant ?

On ne peut rien en faire, ça ne se mange pas, on ne peut pas s’asseoir au volant de son œuvre ni grimper dessus pour voir plus loin.

On est forcé d’admettre que c’est un plaisir non physique qui en fait la valeur. Un plaisir de l’esprit, intellectuel pour certains, qui passe par les sens.

Comment s’assurer, nous les peintres, d’avoir cet ingrédient dans nos œuvres ?

On se recule, on regarde dans un miroir, on montre notre travail pour voir l’effet produit sur les autres.

On prend des avis ici et là qui bien souvent résultent dans un arrêt tout net de notre création. Aïe!

La meilleure réponse que j’ai trouvée m’a été donnée par Georges Mathieu dans son livre « Désormais seul en face de Dieu  » lorsqu’il aborde les sujet de la création pure.

Je cite :  » Il est évident que consciemment ou non, certains contrôles opèrent, et certains réflexes interviennent. En l’absence totale de préméditation, l’artiste demeure seul devant sa toile blanche. Seul, bien sûr, avec son métier. Son métier, c’est-à-dire ce qu’il sait d’une somme d’expérience ou de contraintes après des millions de gestes et des centaines d’œuvres. »

Je recommande sa lecture à tout artiste. Mais le métier doit être là, c’est sûr.

Alors, à nos pinceaux !